Ontem, enquanto voltava da assembléia dos trabalhadores do Centro Paula Souza que decidiu pela suspensão da greve, lembrei-me deste poema de Bertolt Brecht (1898-1956)
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Enquanto você estiver vivo, nunca diga: jamais!
O regime vigente não é seguro. Não é imutável.
Quando os opressores falarem, os oprimidos também falarão.
Quem se atreve a dizer: jamais?
De quem é a culpa se a opressão presiste? De nós.
Quem a destruirá? Somos nós.
Você está abatido? Levanta-te!
Você pensa que está perdido? Ao combate!
Você se considera um desgraçado? É o momento de marchar!
Os vencidos de hoje serão os vencedores de amanhã.
E o "jamais" se transforma em: hoje!
(B. Brecht)
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| Cena do filme, La teta asustada. |
Sem nada pra fazer no segundo dia de 2010 fui assistir a estréia do filme “Lula, o filho do Brasil” de Fábio Barreto. Uma porcaria! Esteticamente fraco, o diretor perde uma grande oportunidade de propor uma reflexão sobre o Brasil de Lula. O caminho escolhido para a narrativa não é tão ruim, – e nisso confesso que o diretor me surpreendeu, pois esperava uma história concentrada nas greves dos anos 1970 e na constituição do mito “Lula” - pois, ao reconstituir a vida de Luis Inácio da Silva, do seu nascimento no interior nordestino ao líder sindical das greves do ABC paulista, o filme mostrou parcialmente o percurso traçado por tantas vidas serverinas deste país enorme nas extensões e nas contradições. Muitas são as imagens: o moderno que caminha e cresce diante das mazelas do arcaico; o tempo vagaroso do rural sendo substituído pelas engrenagens e o concreto da cidade. Um país que soube dialeticamente se industrializar e crescer sem romper radicalmente com as estruturas mais reacionárias do seu passado colonial. Se o personagem principal fosse o Brasil o filme teria sido muito mais interessante.
O diretor poderia ter problematizando estas questões em seu filme, transformando a figura de Lula, em mero ponto de partida para uma reflexão mais profunda, com uma estética que nos remetesse aos projetos de Glauber Rocha. Mas Barreto preferiu a estética global, o senso-comum e o cinema comercial. Em ultima instância, seu filme não deixa de ser uma forma de reafirmar mais uma vez o “mito” Lula, algo que muitos outros diretores e autores já fizeram no passado com muito mais sofisticação.
Ao chegar ao cinema, fui surpreendido por algumas coisas. A primeira delas foi o próprio público. Tentei chegar bem cedo, pois minha lógica é que as entradas logo se esgotariam. Pensei: se o Lula tem a incrível marca de 83% de aprovação é óbvio que um filme sobre ele será uma grande sensação. A fila estava realmente enorme, porém as pessoas ali estavam preocupadas em assistir “Avatar”, a nova sensação de efeitos especiais de James Cameron – uma produção que chegou a marca dos 500 milhões de dólares. A minha surpresa deveu-se a um erro de análise do público e do local.
A segunda surpresa veio quando entrei na sala: quase não havia jovens. A absoluta maioria do público era de pessoas acima dos 40 anos de idade. Poderíamos pensar que novamente o “Avatar” explicaria - pois os velhos não se interessam por histórias de ET’s azuis? O fato é que tinha poucos jovens. Neste caso, há que esperar e ver como serão as próximas sessões, mas em minha opinião a questão é que as novas gerações não se interessam pela história de Lula, pois quando adquiriram alguma consciência política era Lula e o PT quem governava o país com sua política conservadora, distante de qualquer prática e programa de esquerda. Esta é a primeira geração que não apostou, em nenhum momento de sua vida, em Lula ou no PT como projeto de esquerda para o Brasil. Por quê então se interessar pela história do presidente Lula?
O meu ultimo grande erro, talvez o maior deles, foi achar que ali naquele espaço estariam uma fração dos 83% que apóiam o presidente. Sua aprovação, apesar de alta mesmo na pequena burguesia, é qualitativamente diferente do apoio que recebe dos milhões de explorados e famintos, homens em mulheres de vida sofrida, que não tem dinheiro para poder pagar a entrada do cinema (nem mesmo possuem um cinema em suas cidades). Estes, desgraçadamente, assistirão ao filme quando ele chegar aos camelôs ou for exibido pela Globo. E se emocionarão com a história do jovem pernambucano que vira sindicalista, assim como se emocionaram com o filme sobre os filhos de Francisco que viram astros do sertanejo.
Enquanto o mito de Lula continua a ser reproduzido, os filhos do Brasil continuam a sofrer com as enchentes, a exploração, as demissões, a precarização do trabalho, a miséria, a seca... O Brasil dos contrastes continua seguindo seu percurso para a ilusão do país potência. Precisamos de um novo filme que conte a história dos milhões de filhos do Brasil sem os mitos sindicalistas, populistas, messiânicos... Uma nova geração que, sonhadora da revolução, coloque abaixo todos os mitos! Eu escolho estar com estes!
("Eu amo orgasmo")
("Usem a minha inteligencia")
Há um duplo objetivo na minha vontade por conhecer o neorrealismo italiano. O primeiro, de todo cinéfilo, é conhecer este movimento fundamental da história do cinema. O segundo, como anunciei num outro post, é trilhar as influências ao cinema latino-americano dos anos 1960. Neste sentido, não poderia deixar de escrever algumas percepções sobre isso em Glauber Rocha (o meu diretor brasileiro do momento), centralmente em Deus e o Diabo na Terra do Sol.
Duas características, comuns aos filmes italianos do pós-guerra, parecem estar presentes neste trabalho de Glauber. O Primeiro a destacar é a mudança da localização da câmera, tirando-a dos estúdios – e todo seu cenário pomposo e caro – e colocando-a na rua – junto ao povo “real”. Porém, Glauber não filmará no cenário urbano, como fizeram os italianos, mas no principal local de conflito e de representação das contradições do país: o Sertão. Aliás, Glauber não foi o único a usar o agreste nordestino como cenário para o Cinema Novo.
Outra característica do neorrealismo italiano: a utilização de não-atores para representar os personagens nos filmes, com a pretensão de criar um ambiente mais real. Glauber usa seu motorista para fazer o “cego” em Deus e o Diabo... Um personagem muito importante, diga-se de passagem, pois é quem guiará os demais – o vaqueiro e sua esposa e Antônio das Mortes (meu preferido, que merecerá um post a parte) – aos seus destinos. Porém, sempre os questiona sobre seus caminhos. Um cego como guia: a metáfora da alienação, tema presente no filme. Ao mesmo tempo, um personagem consciente dos desfechos daquelas ações.
Estas referências na obra de Glauber se mesclam com outras inúmeras influências. A liberdade que deu a Othon Bastos em sua atuação é um exemplo disso. Estudando naquela época o teatro brechtiano, Othon leva as técnicas deste teatrólogo alemão para Deus e o Diabo.... A principal referência a isso é o diálogo entre Corisco e Lampião feito num monólogo de seu personagem. Em muitos momentos era o ator quem conduzia a câmera, e não o seu contrário, e a partir do seu movimento o Sertão vai se revelando para nós.
É óbvio que as influências de Glauber provêem de muitas outras tradições e movimentos. Mas, pelo limite que tem um blog, e também do seu autor, não é minha pretensão enumerar todas. Mas uma é bastante evidente e não poderia deixar de registrar: a Nouvelle Vague. As referencias desta escola no diretor brasileiro são muitas: assim como o percurso da Nouvelle Vague teve início na crítica de cinema, Glauber era um jornalista crítico de cinema antes de começar a filmar; a valorização do intelectual: Glauber defende um cinema-autor, em que o diretor seja soberano e independente em sua criação; a revolução proporcionada pela câmera de 16mm: "uma câmera nas mãos e uma idéia na cabeça"; dentre outras que não me lembro agora – pois escrevo na madrugada, em mais uma de minhas insônias. Fica então este tema para outro post, numa outra insônia.
Ladrões de bicicletas
Vittorio de Sica
Itália, 1948
Fazia tempo que queria estudar o cinema italiano do pós-guerra. Minhas aspirações por entender o cinema latino-americano dos anos 60 sempre me remetiam a necessidade de assistir o cinema neorrealista italiano, citado inúmeras vezes por Glauber Rocha e Raymundo Gleyzer, as duas principais referencias do Cinema Novo brasileiro e argentino, como importante influencia em seus filmes. Assistir Ladrões de Bicicleta me fez entender o porquê.
Retratando uma Itália marcada pelo fascismo e pela derrota na segunda grande guerra, um operário desempregado vive a angústia de seu novo emprego escapar pelas mãos ao roubarem sua bicicleta no primeiro dia de trabalho. Começa então uma longa busca pelas ruas de Roma para manter o seu emprego. Ao passo que a procura acontece, o filme nos mostra a realidade social, econômica e cultural de uma Itália dos anos 1940. Contra um cinema hollywoodiano, vários cineastas procuraram produzir um cinema alternativo na Itália, em que as camadas populares se tornavam protagonistas. Foi um projeto estético, mas também político.
Ladrões de bicicleta é um clássico e uma referencia para todo cinéfilo.
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"Enquanto Roberto Rossellini é o grande mestre do neorrealismo italiano que surgiu em 1945, Vittorio De Sica é o pai de Ladrões de bicicletas, que se tornou um marco do movimento e, mesmo após tanto tempo, comove os mais diversos públicos. Uma das razões do sucesso está na mistura de neorrealismo com melodrama, em que a força dos atores ganha relevo na história e a trilha sonora conduz as emoções"
(Especial Bravo, "100 filmes essenciais da história do cinema", 3a edição)
Semana Vladimir Carvalho
Um Cineasta do Documentário
3 a 7 de novembro de 2009
Locais:
Museu da Imagem e do Som de Campinas - Rua Regente Feijó, 859 - Centro
Centro de Convenções da Unicamp - Ginásio Multidisciplinar - Av. Érico Veríssimo - Cidade Universitária Zeferino Vaz
Programação gratuita
MIS
Dia 3, terça-feira
20h - A bolandeira e O país de São Saruê - debatedora: Shirly Ferreira de Souza
Dia 4, quarta-feira
20h - Vila Boa de Goiaz e O engenho de Zé Lins - debatedor: Vladimir Carvalho
Dia 5, quinta-feira
14h - A cinememória de Vladimir Carvalho
15h - Mesa redonda - O cinedocumentário de Vladimir Carvalho. Coordenação: Alberto Nasiasene. Debatedores: Vladimir Carvalho e Nuno César Pereira de Abreu
20h - A pedra da riqueza e O evangelho segundo Teotônio - debatedor: Alberto Nasiasene
Dia 6, sexta-feira
20h - Brasília segundo Feldman e Barra 68 - debatedor: Newton Marques Perón
Dia 7, sábado
16h - Conterrâneos velhos de guerra - debatedor: Orestes Toledo
Centro de Convenções da Unicamp - Ginásio Multidisciplinar
Dia 4, quarta-feira
12h - O país de São Saruê - debatedora: Shirly Ferreira de Souza
Dia 5, quinta-feira
12h - O engenho de Zé Lins - apresentação: Vladimir Carvalho
Dia 6, sexta-feira
12h - Barra 68
** Programação, sinopses e biografia de Vladimir Carvalho em anexo **
Curadoria
Alberto Nasiasene
Coordenação
Orestes Toledo
Produção
Batata e Luís Fernando Vasconcelos
Realização
MIS - Museu da Imagem e do Som de Campinas/ Prefeitura Municipal de Campinas
Coordenadoria de Desenvolvimento Cultural/ Pró-Reitoria de Extensão da Unicamp
Apoio
Negativo - www.negativoonline.com
Hotel Jaguary
Contato
mis@campinas.sp.gov.br
(19) 3733 8800
"A partida", do diretor japonês Yôjirô Takita, é um filme belíssimo que retrata o infindável dilema existencial. Depois de perder seu emprego numa Sinfônica em Tóquio como violoncelista, retorna ao "interior", iniciando uma redescoberta de si próprio. É estranho pensar que podemos encontrar o sentido de nossas vidas em situações tão inusitadas como a própria morte. É uma metáfora fortíssima, que permeia todo o filme. Recomendo assisti-lo. As músicas são maravilhosas, acentuando o tom sensível de A Partida!
